«Aimer la beauté c'est voir la lumière», écrivait Victor Hugo, et tel est le but de cette exposition qui réunit des artistes contemporains et établis, qui seront également présentés dans des expositions institutionnelles au cours des prochains mois. En effet, le mot-clé de l'exposition est : « LIGHT » à la fois en termes de lueur et de légèreté, l'un des principaux concepts explorés par ces artistes dans leurs œuvres utilisant différents médias. En fait, le thème crée un dialogue entre les sculptures fines mais équilibrées de Fausto Melotti, les gravures intemporelles de Giorgio Morandi, les peintures surréalistes et les sculptures tribales de Roberto Sebastian Matta et le monde fragile créé par l'artiste contemporaine Claudine Drai, qui aura une exposition personnelle ouvrant en octobre prochain au Centre Pompidou à Paris.
Après la rétrospective dédiée à Fausto Melotti en 1999, la Galleria d'Arte Maggiore g.a.m. est heureuse de présenter une nouvelle sélection de ses œuvres raffinées. L'ensemble de la production de Melotti, des premiers dessins des années 1920 aux sculptures des années 1980, montre clairement que, comme l'écrit Germano Celant : « son abstractionnisme doit être compris dans une perspective spiritualiste et métaphysique, avec des références au symbolisme du sacré et du magique. Et bien que cela puisse sembler irrévérencieux d'un point de vue figuratif, il admet toujours à son origine l'esprit ou le mot, le son ou le souffle avec lequel l'univers a été construit ». Sculpteur, poète, musicien et titulaire d'un diplôme en ingénierie électronique, Melotti a fait ses premiers pas dans les arts plastiques en utilisant la céramique. Il est devenu un fin céramiste, avec une production large mais raffinée, et a également collaboré avec Gio Ponti pour réaliser une série de carreaux pour l'architecture, dont certains ont été utilisés pour décorer la Villa Planchart à Caracas, aux côtés d'œuvres de Massimo Campigli et Giorgio Morandi. Par la suite, il s'est concentré sur l'utilisation du laiton pour créer ses délicates sculptures, mettant en scène des jeux d'oscillations et de symétries, d'irrégularités ludiques. Le laiton est un métal largement connu pour sa durabilité, contrairement aux formes fines conçues par l'artiste italien. Melotti a également utilisé l'acier inoxydable pour poursuivre ses recherches artistiques. Apparaissant sans épaisseur ni poids, les œuvres exposées exaltent la dimension du rêve et de la narration.
D'autre part, Claudine Drai choisit la soie et le papier japonais comme ses matériaux de prédilection pour rendre visible l'invisible, matérialiser l'immatériel, donnant vie à la genèse de la création artistique en jouant avec les formes, la lumière et l'ombre, ce qui rend éternel un monde fragile animé par des figures éphémères, qui, comme des anges, des oiseaux ou des fleurs, sont des corps sans corps. La délicatesse de ses créations est soulignée par la prédominance du blanc, qui se traduit par des transparences, des illusions et des jeux de lumière, dans une atmosphère où le temps est suspendu. À travers son art, l'artiste française implique non seulement la vue, mais aussi, idéalement, le toucher et l'odorat. Claudine Drai nous offre une réalité sublimée par la conscience et les sensations. Ce réveil ouvre le champ d'une aventure esthétique où le moindre contrepoint, la moindre pirouette, la moindre modulation construisent le sens de l'œuvre. En 2021, le cinéaste allemand Wim Wenders a été tellement fasciné par l'art de Claudine Drai qu'il a décidé de réaliser une œuvre vidéo en 3D intitulée « présence », explorant les suggestions venant de celle-ci ainsi que l'acte de création de l'œuvre d'art. Elle a été présentée en première au Palazzo Grassi à Venise lors de la semaine d'ouverture de la Biennale de Venise 2022 et fait maintenant partie de la collection du Centre Pompidou. Après avoir été incluse dans la collection Guérlain, Drai a été sélectionnée pour les visites d'ateliers pendant Paris+ par Art Basel 2024 et son exposition personnelle sera accueillie par le Centre Pompidou du 24 octobre 2024 au 25 février 2025.
«Matta est celui qui poursuit le plus son propre destin, ce qui est peut-être la seule façon de découvrir le secret le plus élevé de tous : le contrôle du feu» : avec ces mots, André Breton décrit Roberto Sebastian Matta, en 1944. Architecte, peintre et - qui plus est - virtuose dans l'utilisation du bronze et des métaux, c'est au sein de sa propre production artistique que les paroles du chef de file surréaliste se révèlent vraies : ses figures sont des images de profondeurs magmatiques, rappelant les époques géologiques anciennes et les religions mythologiques terrestres. En effet, dans ses sculptures, il évoque toutes les traditions déjà existantes : l'idole totémique des anciennes civilisations aux yeux de serpent dérivée de la culture inca ou aztèque se fond avec les divinités fécondes et naturelles des Étrusques, dans une quête sans fin des racines de l'histoire de l'humanité, mêlée aux études de l'artiste sur l'art océanique et primitif comme l'art africain, très en vogue parmi les artistes de premier plan du siècle dernier. En tant que maître du feu, Matta a forgé le bronze en sculptures qui ressemblent à des dieux et déesses anciens, émergeant d'un passé préhistorique et antique, de la Grèce, des cultures méditerranéennes ou sud-américaines. La lumière éternelle, le feu, est ce avec quoi ces œuvres sont conçues. De plus, dans l'idée de Matta, l'homme est fait de la même matière que les étoiles : la lumière. C'est cette même lumière qu'il représente dans l'art avec ses morphologies psychologiques, qu'elles soient faites de couleur ou de bronze.
Enfin, la maîtrise de Giorgio Morandi s'exprime pleinement dans une sélection de ses gravures, où la légèreté devient tranquillité. Pendant plus de vingt-cinq ans, il a été professeur de gravure à l'Académie des Beaux-Arts de Bologne. Les œuvres sur papier exposées, silencieuses mais puissantes, révèlent un des fondamentaux de sa poétique, à savoir suggérer un univers lyrique entier à travers une économie étudiée de sujets ainsi que de lignes : des objets communs et simples, tels que des vases, des bouteilles, des fleurs, des coquillages et des paysages qu'il regardait dans son atelier ou qu'il apercevait depuis la vue d'une fenêtre, que ce soit à la Via Fondazza ou à Grizzana. Suivant Cézanne qui déclarait que « l'ombre est une couleur comme la lumière, mais moins brillante ; lumière et ombre ne sont que la relation de deux tons », Giorgio Morandi passait son temps à graver la plaque, étudiant comment donner une expression visuelle à la lumière. Ses gravures montrent le jeu chromatique limité au contraste entre le signe gravé et le papier, entre le hachurage et les espaces volontairement laissés blancs dans la composition, ce qui donne l'impression de vous rendre aveugle en le regardant. Pour Morandi, la gravure est une recherche pure de la lumière, exprimée à son plein pouvoir en utilisant un trait plus dense ou plus rare jusqu'à ce que le trait lui-même devienne absent. La gravure a permis à Morandi d'exprimer le pouvoir aveuglant de la lumière avec un résultat qui ne pouvait être atteint en peinture, donnant vie à une juxtaposition de lumière et d'ombre qui générait les formes délicates des objets eux-mêmes. C'est dans ces œuvres que la capacité évocatrice du monde intime et médité de Morandi émerge dans son essentialité.
