© Galleria d'Arte Maggiore G.A.M. | Matta. Roberto Matta, Gordon Matta-Clark, Pablo Echaurren, Fondazione Querini, Venezia
Fondation Querini Stampalia
Venise
29 mai – 18 août 2013
Vernissage presse : 28 mai 2013 – de 10h à 14h
Inauguration : 28 mai 2013 – à 18h
Exposition réalisée par : Galleria d'Arte Maggiore – G.A.M. - Bologne
En concomitance avec la 55e Biennale de Venise, l'exposition veut explorer les idées et les pensées transmises – à travers les générations, le temps et la géographie – de Roberto Sebastian Matta à ses fils Gordon Matta-Clark et Pablo Echaurren.
Trois noms, trois histoires, trois pays et un dénominateur commun: l'art. En concomitance avec la 55e Biennale d'Arts Visuels de Venise et pour la première fois ensemble, l'exposition organisée et produite par la Galleria d'Arte Maggiore – G.A.M. de Bologne, réunit dans les espaces de l'aire Scarpa de la Fondation Querini Stampalia, trois grands protagonistes de l'art international. Gordon Matta-Clark et Pablo Echaurren ne partagent pas seulement le père Roberto Sebastian Matta, figure historique qui avec ses toiles et ses sculptures a pris part au Surréalisme et influencé les artistes américains de l'Expressionnisme Abstrait, mais avec deux styles expressifs différents, ils sont tous deux des personnages importants de la scène artistique contemporaine.
L'exposition, curatée par Danilo Eccher, prend origine dans l'œuvre de Roberto Sebastian Matta et à travers les œuvres de ses protagonistes parcourt un demi-siècle d'histoire de l'art, vécu dans trois pays différents : la France, les États-Unis et l'Italie. La perspective qui en découle n'est pas limitée par leur histoire familiale, aussi exceptionnelle soit-elle, mais élargit ses frontières à l'environnement culturel et politique dans lequel ces artistes ont été profondément impliqués. Fils du même père, mais de mères différentes, Gordon et Pablo ont eu une relation conflictuelle avec la figure paternelle et à travers l'art, ils ont tous deux cherché un dialogue conceptuel – impossible dans la vie privée – avec Matta, chacun mûrissant à sa manière des langages singuliers et différents. Si l'affinité avec Matta-Clark se retrouve également à un niveau formel, esthétique et architectural présent sous une forme différente dans l'œuvre du père, chez Echaurren l'affinité se trouve dans le caractère plus proprement conceptuel dérivé de la même matrice dadaïste et tardive surréaliste du père et du frère. Le fil conducteur de leur œuvre au niveau critique sera dévoilé par Danilo Eccher quelques jours seulement avant l'ouverture au public, mais à une première lecture, il apparaît déjà que la socialité, la recherche continue d'une relation non seulement de participation du spectateur, mais de son implication directe ou indirecte, physique ou mentale, culturelle ou sociale, interne ou externe à l'œuvre est présente dans l'œuvre des trois.
Ce n'est pas un hasard si certains définissent les figures anthropomorphes de Matta à la fois en peinture et en sculpture comme des "morphologies sociales", comme une transformation de passage entre les paysages intérieurs et le monde extérieur. Pour Gordon, la socialité est un facteur encore plus évident, son art étant basé sur la performance, sur les "building cuts" – bâtiments découpés – transformations sculpturales d'architectures préexistantes où le spectateur est invité à entrer pour se déplacer physiquement et émotionnellement dans ces espaces. Dans son œuvre, Matta-Clark crée une relation directe avec le spectateur, souvent basée sur la confiance que celui-ci doit accorder à l'action de l'artiste qui, comme chez Matta, a des fondements architecturaux. Tandis que pour Pablo, toute sa vie artistique est immergée dans la socialité, dans son existence quotidienne. Et s'il est vrai que ses toiles renvoient au monde des bandes dessinées, de la musique, de l'art de la rue, de la culture de masse, c'est en traversant son iconographie Pop faite de contaminations de genres qui dialoguent tantôt avec le Dadaïsme, tantôt avec le Surréalisme lui-même, que l'artiste propose avec ironie à travers l'apparition d'une nature familière et en même temps inquiétante une critique directe de la société de consommation. Tout comme semblent le suggérer les figures anthropomorphes et primitives présentes dans les peintures du père. Ce n'est pas un hasard si l'œuvre de Matta vise également à une réflexion sur l'impact de la technologie sur l'existence humaine.
Roberto Sebastian Echaurren MATTA (Santiago, Chili, 1911 – Civitavecchia, Italie, 2002)
Né à Santiago du Chili, après des études en architecture, Roberto Sebastian Matta se consacre à la peinture à partir de 1934 lorsqu'il s'installe à Paris. Les rencontres de ces années sont stimulantes et fondamentales : dans la capitale française, il travaille pour Le Corbusier, à Madrid il entre en contact avec des intellectuels de la trempe de Federico Garcia Lorca et à Londres, il fréquente Walter Gropius. Mais c'est à Paris qu'il rencontre André Breton et Salvador Dalí, adhérant et donnant un élan à la naissance du Surréalisme. Au début de la Seconde Guerre mondiale, il accepte l'invitation de son ami Marcel Duchamp et s'installe à New York où il s'intègre dans le milieu cosmopolite, jouant un rôle de premier plan pour la génération d'artistes suivante qui donneront naissance à l'Expressionnisme Abstrait américain. Les relations avec ces artistes et avec les surréalistes restés à Paris sont cependant destinées à se détériorer lorsque Matta est accusé d'avoir provoqué le suicide de Gorky en ayant eu une relation avec sa femme. À la fin des années cinquante, Matta est déjà un artiste de renommée internationale, tandis qu'en 1971, la revue française Connaissance des Arts le place dans le top ten des dix meilleurs peintres contemporains du monde et en 1985, le Centre Georges Pompidou lui consacre une grande rétrospective. En 1990, il retourne à Paris en passant des périodes en Italie à Tarquinia, où il installe un atelier, une école de céramique et une salle d'exposition. Il s'éteint à Civitavecchia en 2002. Ses œuvres sont conservées dans certains des plus importants musées du monde, pour n'en citer que quelques-uns : le Museum of Modern Art de New York, le Centre Pompidou à Paris, le Fine Arts Museum de San Francisco et la Galerie Nationale d'Art Moderne de Rome.
Gordon MATTA-CLARK (New York, USA, 1943 – 1978)
Gordon Matta-Clark est un artiste américain actif durant les années soixante-dix et mieux connu pour ses "building cuts", bâtiments découpés : transformations sculpturales de bâtiments abandonnés réalisées par des découpes et des démantèlements de sites architecturaux structurés. Figure catalytique de la décennie pour l'histoire et le développement de SoHo à New York, son art remet en question le statut même d'œuvre d'art. Utilisant la performance comme méthode d'expression préférée, la majeure partie de son travail est basée sur des fragments architecturaux, des objets décomposés, mais aussi des expériences culinaires qui nous sont parvenues aujourd'hui à travers une série de documentations faites de vidéos, de photos et de films. Opérant tant aux États-Unis qu'en Europe, sa disparition prématurée à seulement trente-cinq ans ne l'a pas empêché de devenir une superstar sur la scène internationale de l'art contemporain. Les œuvres de Matta-Clark sont en effet présentes dans de grandes collections publiques : le Metropolitan Museum of Art et le MoMA de New York, le Museum of Contemporary Art de Chicago, le MoCA de Los Angeles, le Museum van Hedendaagse Kunst Antwerpen à Anvers, le San Francisco Museum of Modern Art, le Smithsonian American Art Museum à Washington DC, le Solomon R. Guggenheim Museum de New York, le Stedelijk Museum d'Amsterdam et le Whitney Museum of American Art de New York.
Pablo ECHAURREN (Rome, Italie, 1951)
Pablo Echaurren a commencé à peindre à dix-huit ans et a été rapidement découvert par Arturo Schwarz. Sur fond de pop art, d'arte povera, de minimalisme et d'art conceptuel, il a commencé à développer son univers lexical au début des années soixante-dix en s'intéressant à divers thèmes : du monde des miniatures aux signes du maître japonais Hokusai, des citations du monde de la bande dessinée de Roy Lichtenstein aux images des livres scientifiques sur l'histoire naturelle, la zoologie et la botanique. Par la suite, la confrontation avec l'héritage iconographique de l'histoire de l'art s'étend dans un dialogue constant avec les avant-gardes : le Futurisme, le Dadaïsme, le Cubisme, le Surréalisme même qu'il revisite avec l'œil d'un habitant du village global, nourri de messages des télécommunications et des mass media. L'art de Pablo Echaurren se déplace dans de nombreuses directions, en sauts constants, des peintures aux collages, des couvertures de livres et de bandes dessinées aux céramiques, aux vidéos, aux textes. S'impose ainsi l'idée de l'artiste-artisan dans tous les domaines, indépendamment des barrières et des hiérarchies qui confinent habituellement l'activité créative. La relation entre Pablo et les jeunes est toujours très étroite et il en va de même pour les mouvements sociaux. Auteur d'essais, de romans et de nouvelles, Pablo a également publié une série de biographies illustrées, dédiées à Filippo Tommaso Marinetti, Picasso, Ezra Pound et d'autres.
Fondation Querini Stampalia – Zone Scarpa
En 1949, le Conseil de présidence de la Fondation Querini Stampalia décida d'entreprendre la restauration de certaines parties du Palais Querini. Manlio Dazzi, directeur de la fondation, confia à Carlo Scarpa la tâche de réaménager le rez-de-chaussée et le jardin à l'arrière du palais, qui se trouvait dans un état de délabrement extrême. Le projet ne fut réalisé que plus de dix ans plus tard, sous la direction de Giuseppe Mazzariol, ami et partisan du maître vénitien. Le projet de restauration de Scarpa commence par l'élimination de l'appareil décoratif du XIXe siècle, la réhabilitation statique et conservatrice des murs, et le nettoyage minutieux des éléments architecturaux existants. Il s'articule autour de quatre thèmes fondamentaux : le nouveau pont d'accès, l'entrée, le portego et le jardin, quatre lieux reliés par un parcours dont les étapes sont visuellement anticipées dès le campiello en face du canal, d'où l'on peut apercevoir des vues de l'intérieur. Le rez-de-chaussée du palais est en effet perméable, transparent, et le jardin joue le rôle de prolongement naturel du portego. "L'eau est assumée comme un diaphragme horizontal qui module les hauteurs objectivement changées des espaces. C'est en relation avec ces effets que le tracé de tous les parcours a été orienté et développé horizontalement du canal au jardin, de la façade devant la grille à l'arrière du palais, comme une cloison unitaire sur laquelle la lumière joue, dématérialisant les résidus plastiques de chaque zone pour n'en retenir que la signification chromatique." - Giuseppe Mazzariol, Une œuvre de Carlo Scarpa : la réorganisation d'un ancien palais vénitien, dans "Zodiac", n. 13, 1964, p. 40.
Galleria d'Arte Maggiore – G.A.M.
La Galleria d'Arte Maggiore G.A.M. a été fondée en 1978 par Franco et Roberta Calarota, qui ont construit la renommée internationale de la galerie grâce à une collection d'œuvres de grande qualité du XXe siècle. Leur fille Alessia a rejoint la galerie, devenant directrice en 2011 avec l'objectif de lier la tradition à une nouvelle perspective. Avec une approche innovante, les expositions présentées dans le siège principal à Bologne visent à illustrer comment l'art contemporain émerge d'un dialogue avec l'art moderne ou déjà historicisé. Depuis toujours, la galerie s'occupe de deux aspects fondamentaux du monde de l'art : le marché – en participant à certaines des foires internationales les plus importantes – et la promotion culturelle. De cette perspective naissent les collaborations avec des musées et des institutions importants en Italie et à l'étranger (Metropolitan Museum de New York, Musée d'Art Moderne de la Ville de Paris, etc.), témoignage tangible de la haute qualité des œuvres proposées. Point de référence pour l'art italien du XXe siècle, la Galleria d'Arte Maggiore G.A.M. a récemment collaboré avec le musée Estorick Collection of Modern Italian Art de Londres pour l'exposition "Giorgio Morandi. Lines of Poetry", la plus complète exposition réalisée à ce jour, hors des frontières italiennes, sur l'art graphique du maître. Et, pour ne citer que quelques exemples, parmi les diverses expositions organisées par Franco Calarota, on peut rappeler l'exposition "Silenzi" dédiée à l'œuvre de Giorgio Morandi au Musée de Palazzo Fortuny à Venise, et "Giorgio de Chirico. Myth and Archaeology" l'exposition récemment inaugurée avec succès à la Phillips Collection de Washington DC, dans le cadre de l'année de la culture italienne aux États-Unis, qui présente au public une précieuse sélection de sculptures et de travaux sur papier.
