M WOODS EST FIÈRE DE PRÉSENTER LA PREMIÈRE EXPOSITION MUSÉALE EN CHINE DES ŒUVRES DU CÉLÉBRE ARTISTE ITALIEN GIORGIO MORANDI (1890-1964), RÉALISÉE GRÂCE À UN PRÊT IMPORTANT DE LA GALLERIA D'ARTE MAGGIORE G.A.M.
Morandi est né le 20 juillet 1890 à Bologne, en Italie, et y a passé presque toute sa vie, travaillant tranquillement dans un modeste studio et appartement qu'il partageait avec ses trois sœurs. Les paysages à petite échelle et contemplatifs de Morandi, ainsi que ses natures mortes d'objets courants, traversent un espace poétique qui peut être comparé à ce que le poète T.S. Eliot a décrit comme « l'intersection de l'intemporel avec le temps ».
L’exposition-bilan de M WOODS, Giorgio Morandi : La poétique de l’immobilité, explore six décennies de la pratique de Morandi à travers plus de quatre-vingts œuvres, depuis sa jeunesse, lorsqu’il expose pour la première fois à Bologne en 1914, et est fortement influencé par les mouvements artistiques d’avant-garde comme le cubisme et le futurisme, jusqu’à la période entre 1930 et 1956, lorsque Morandi est professeur de gravure à l’Académie des Beaux-Arts de Bologne, et ses dernières œuvres dans les années 1960, juste avant sa mort. En tant que première exposition personnelle de l’œuvre de Morandi dans un musée en Chine, l’exposition examine également les recherches silencieuses de Morandi sur la forme, la répétition méditative de la nature morte et les compositions introspectives en parallèle avec les concepts d’intemporalité dans la pensée et la philosophie européennes et chinoises traditionnelles.
Tout comme les Grecs de l’Antiquité possédaient deux mots pour désigner le temps, chronos et kairos, le premier décrivant le temps chronologique et le second se référant à la nature qualitative du temps, à un moment ou à un événement particulier dans le temps, l’œuvre de Morandi s’écarte également des catégories temporelles classiques pour créer des espaces profonds de contemplation au plus fort des guerres et des conflits du début du XXe siècle. Plutôt que de suivre une approche chronologique, l’exposition est assemblée en référence aux natures mortes de Morandi. En d’autres termes, de la même manière que l’artiste a agencé une série d’objets différents pour créer une seule image, les galeries du musée seront divisées en différents thèmes qui développent des éléments spécifiques de la pratique de Morandi, tels que son utilisation de la répétition et de la récurrence tout au long de sa carrière, ou son enquête à long terme sur le paysage naturel de Grizzana, pour dresser un portrait de la carrière de l’artiste à travers des œuvres dans différents médiums et à différentes périodes de sa vie.
Ces thèmes sont divisés en quatre sections principales : « Transitions », « Récurrences », « Paysages » (Paesaggi e fiori) et « Œuvres tardives sur papier ». Morandi a dit un jour que « les sentiments et les images que le monde visible éveille en nous sont très difficiles à exprimer ou sont peut-être inexprimables avec des mots, car ils sont déterminés par les formes, les couleurs, l’espace et la lumière ». Pour le philosophe allemand Emmanuel Kant, le transcendantal était une façon de comprendre la limite des choses dans le monde perceptible, et il a suggéré que nous ne pouvons comprendre l’espace et le temps qu’à travers notre interaction avec les objets et les choses et notre perception de ceux-ci. Cette section de l’exposition retrace les transitions importantes et les influences formatrices sur le linguaggio formale de Morandi, son langage formel, à travers plusieurs œuvres clés telles que Still Life, 1914, l’une de ses premières natures mortes et Natura Morta con Bottiglia e Brocca, 1915, deux œuvres que l’artiste a réalisées juste avant d’être appelé à combattre pendant la Première Guerre mondiale, et Still Life, 1928, l’une des compositions les plus connues de Morandi qui présente des éléments visuels persistants de l’époque où Morandi était brièvement associé au mouvement de peinture métaphysique en Italie qui embrassait des idées transcendantales de la réalité et des objets. Sont également exposées les natures mortes plus inhabituelles de Morandi représentant des coquillages, ainsi que ses gravures et peintures à l’huile représentant des plateaux de table avec des bouteilles, des boîtes, des vases et des fleurs, qui reflètent à la fois le changement de l’environnement politique de l’époque, illustré par des mouvements artistiques tels que Strapaese, et un retour à des modes d’art plus régionaux qui remettent en question la compréhension des objets au-delà de leur signification directe ou de leur nature perçue dans le monde, dans un espace que ni les mots ni la signification culturelle à eux seuls, comme le montre Morandi, ne peuvent pleinement décrire.
La méthode de Morandi consistant à répéter en permanence des compositions et des sujets de natures mortes, ou « variations sérielles », est mise en évidence dans la section intitulée « Récurrence » et retracée à travers l’évolution de deux objets spécifiques : la bouteille blanche et le vase blanc cylindrique tels qu’on les voit dans des œuvres telles que Still Life, 1956. Le philosophe Friedrich Nietzsche a décrit la récurrence et l’intemporalité comme cycliques : non pas en termes de durée de vie d’une chose dans le monde, mais de la façon dont les choses se répètent à nouveau dans le temps, et des nombreuses façons dont les choses se poursuivent ou se transmettent à travers le temps. « Une bouteille blanche est tout ce qui reste », a déclaré Morandi en 1962. Pour Morandi, l’utilisation de la répétition était essentielle, et le même ensemble d’objets a été revisité par l’artiste à maintes reprises dans des peintures et des gravures. Cette section mettra en lumière une série d’œuvres centrées sur les arrangements de vases et de bouteilles de Morandi des années 1920 aux années 1960, en plus des œuvres de la fin des années 1940, lorsqu’il a reçu le premier prix de peinture à la Biennale de Venise de 1948.
« Paysages » (Paesaggi e fiori) mettra en lumière l’enquête à long terme de Morandi sur le paysage naturel de Grizzana et de Bologne, ainsi que ses peintures et gravures de paysage innovantes qui révèlent sa fascination pour le plein air et les paysages urbains de Bologne. Nous présenterons ici des œuvres clés telles que Paysage de Grizzana, 1913, la deuxième gravure jamais réalisée par l’artiste. Une salle spécifique sera également consacrée à l’exploration des fleurs dans la nature morte par Morandi, avec des œuvres telles que Flowers, 1952, un sujet qui passionnait profondément l’artiste. Morandi s’est familiarisé avec l’œuvre des impressionnistes et des postimpressionnistes français tels que Claude Monet et Paul Cézanne grâce à des expositions à Venise et à Rome, mais il a très peu voyagé au cours de sa vie et n’a traversé la frontière italienne que quelques fois. Cette section présentera des peintures, des dessins et des gravures immortalisant les paysages naturels de Grizzana, une ville au pied des Apennins du nord de l’Émilie-Romagne où Morandi passait les mois d’été, ainsi que ses peintures de casas colonicas (fermes) et de paysages et croquis réalisés depuis la fenêtre de son atelier à Bologne.
